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Dessiner, c’est l’art de cultiver la patience !

Rédaction site JP-Artiste — Tue, 10 Feb 2026 07:48:49 +0000

Alors que notre société nous impose un rythme de plus en plus rapide, la patience est une vertu qui semble être en voie de disparition. Pourtant elle demeure essentielle tant dans notre quotidien que dans la réalisation de nos passions.

C’est au travers d’un dessin intitulé Cordages et Poulie, qui a représenté des dizaines d’heures de travail, que Jean-Pascal nous invite à découvrir comment le dessin, par sa nature minutieuse et exigeante, nous enseigne l’art de la patience.

Habitué à esquisser ses aquarelles, Jean-Pascal a cette fois troqué ses pinceaux et ses godets au profit d’une batterie de crayons et d’estompes. « Dans l’animation des ateliers d’aquarelle, j’accorde toujours un temps précieux au dessin. En dessinant Cordages et Poulie, j’ai voulu expérimenter la création sans vitesse ni précipitation avec la satisfaction de voir son sujet se révéler… petit à petit !».

Pourquoi choisir un sujet difficile ?

Des nœuds, un mat et sa poulie ainsi qu’un enchevêtrement de cordages ne représentent pas un sujet facile et accessible ! Pourquoi un tel choix ?
« Quitte à passer du temps sur un dessin autant que le jeu en vaille la chandelle ! En partant sur un sujet plus complexe, je sais que je vais sortir de ma zone de confort. Et les difficultés n’ont pas tardé avec le rendu du flou autour de la poulie et du mat. J’ai testé plusieurs techniques afin d’obtenir le meilleur effet ! », explique JP.

Apprendre à observer son sujet

Avant de commencer à noircir la feuille, il est une étape à ne pas négliger : l’observation fine du sujet. « Que ce soit d’après une photo ou sur le motif, nous devons étudier notre sujet. Les contrastes, les différentes formes, la composition générale, les proportions, les ombres… Cette étape va conditionner la précision et le réalisme que nous souhaitons transmettre », explique Jean-Pascal.

S’appuyant sur une photo comme modèle, l’artiste sablais a segmenté sa feuille afin de travailler par zone. Mais pourquoi cette décomposition ? « En travaillant par zone, on esquive les erreurs de construction tout en évitant de trop se disperser. Grâce à un quadrillage initial, nous allons esquisser et surtout vérifier que nous respectons les proportions de notre sujet. »

S’obliger à faire des micro-pauses pour éviter les erreurs !

Lorsque l’on dessine, notre cerveau est très sollicité. Cela peut même être très fatigant. Il est donc nécessaire de faire des pauses régulières. « Je m’accorde toutes les 10-15 minutes, ce que j’appelle des micro-pauses en me levant et en détournant mon regard du sujet et de mon dessin. Lorsque je reviens afin de poursuivre, mon regard est neuf et plus critique. Je peux ainsi voir immédiatement mes erreurs et les rectifier aussitôt ! ».

S’accorder un temps pour soi

La réalisation du dessin Cordages et Poulie a nécessité près de 42 heures. « Ce temps incompressible pourrait rebuter voire décourager, mais il est au contraire une force de création et d’inspiration. Je savais en commençant que je ne finirai pas mon dessin en quelques jours. J’ai donc profité de chaque minute à dessiner sans aucune attente ni pression. Cela est devenu un rendez-vous créatif voire méditatif ! »

Faire rimer patience et endurance

La patience est souvent décrite comme une vertu car elle nécessite une certaine maîtrise de soi. Le dessin permet-il d’expérimenter cette qualité ? « Il est évident que le dessin tel que je me le représente nécessite une bonne dose de patience. Mais je rajouterai également de l’endurance car, nous devons tenir dans le temps et résister à la tentation de précipiter l’exécution du sujet, surtout lorsque l’on arrive à la fin ! »

Alors maintenant que la Poulie et les cordages sont en place sur la feuille, satisfait du résultat ?

« Je suis très critique envers moi-même et j’ai toujours un peu de mal à être content de moi. Je suis surtout satisfait d’être allé jusqu’au bout et si le résultat n’est pas parfait, il m’a permis de développer des astuces et des techniques qui me serviront dans un prochain dessin ! », conclut Jean-Pascal.

Matériel utilisé pour la réalisation du dessin Cordages et Poulie :

Crayons Faber Castell : 2H – H – HB – B – 2B – 5B – 6B – 10 B

Porte-mines :
Mitsubishi : 0.3 en B
Mitsubishi : 0.3 en HB
Mitsubishi : 0.7 en HB

Estompes Nyoni et H&B

Gommes plastiques et crayon gomme

5 qualités révélées par la pratique du dessin :

Le dessin, surtout lorsqu’il est réalisé avec un souci du détail et de la précision, est un processus qui peut prendre du temps. Il demande non seulement des compétences techniques, mais aussi une grande dose de patience. Voici quelques façons dont le dessin peut aider à développer cette qualité :

Vivre le moment présent : Le dessin nous oblige à ralentir et à nous concentrer sur chaque étape du processus de création. Cela nous apprend à vivre et à apprécier le moment présent, en prenant le temps nécessaire pour faire les choses correctement plutôt que de chercher à obtenir des résultats immédiats.

Développement de la minutie : La précision nécessaire pour le dessin réaliste requiert une attention minutieuse aux détails. Cette concentration intense sur une tâche à la fois nous apprend à être patient et à ne pas précipiter notre travail.

Satisfaction progressive : Voir un dessin évoluer lentement, détail par détail, est une sensation de contentement et gratifiante. Chaque ajout, aussi petit soit-il, apporte un sentiment de réalisation et de progrès. Cette satisfaction progressive nous apprend à ne pas se précipiter et à apprécier les petites avancées tout autant que les grands accomplissements.

Méditation active : Le dessin peut être une forme de méditation active. La concentration nécessaire pour dessiner nous permet de nous concentrer sur une seule tâche à la fois. Nous sommes très vite absorbés par notre sujet et un sentiment de calme est très vite ressenti.

Tolérance à l’échec : Dans le dessin, tout comme dans la vie, nous rencontrons des défis et des échecs. Parfois, une ligne ne se trace pas comme prévu, ou une ombre n’est pas tout à fait juste. Le dessin nous apprend à accepter ces petits échecs, à être patients avec nous-mêmes et à continuer à essayer jusqu’à ce que nous obtenions le résultat souhaité.

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Les 5 étapes essentielles pour créer une aquarelle

Rédaction site JP-Artiste — Tue, 04 Apr 2023 14:48:04 +0000

Plus difficile à maîtriser que la peinture à l’huile ou l’acrylique, l’aquarelle doit être pratiquée en respectant certaines étapes clés. De l’observation à la colorisation en passant par la construction au dessin, chaque stade est essentiel pour obtenir le résultat souhaité. Embarquons pour une balade au fil du crayon et du pinceau…

Une construction qui demande beaucoup de patience

L’aquarelle est un art qui, bien que permettant une grande liberté d’expression, nécessite une certaine rigueur et de l’organisation pour obtenir des résultats convaincants. Un processus structuré permet non seulement de gagner en efficacité, mais aussi d’améliorer la qualité et la cohérence de l’œuvre finale.

Nous allons voir les 5 étapes essentielles au travail de création à l’aide d’un exemple concret : la réalisation d’une aquarelle d’après un modèle réalisé à la peinture à l’huile. « J’ai pris comme modèle une peinture réalisée voici plusieurs années par mon père Jean-Claude Duboil. Ce tableau d’un format 70×50 cm représente une vue de Marrakech au début du 20^e siècle », explique Jean-Pascal.

Étape 1 : L’observation et la préparation du travail

Il est inutile de se précipiter lorsque l’on débute une aquarelle. « Pour moi, l’aquarelle c’est avant tout l’art de l’observation et de la patience… », confie Jean-Pascal.

Le temps d’observation et d’analyse de notre sujet est un moment important afin d’évaluer le travail que l’artiste va devoir accomplir.

Dans notre exemple, l’étude de la peinture représentant la Place Jemaa el Fna à Marrakech a permis de voir comment était composé le tableau. Où se situe la ligne d’horizon, quelles sont les différentes masses représentées, la tonalité, l’ambiance… Cette phase d’observation permet aussi de canaliser son impatience.

Étape 2 : La construction du dessin

Étroitement liée à la phase précédente, l’étape 2 demande de la discipline dans la composition de notre dessin. Le dessin est une sorte de puzzle que l’on va construire en plusieurs temps. « Je trace toujours la ligne d’horizon afin d’avoir une ligne de repère pour tous mes premiers traits. Lorsque le sujet est imposant, je trace les masses des principaux éléments du dessin en m’aidant éventuellement d’un quadrillage ».

L’une des principales difficultés réside dans le tracé des proportions de chaque sujet qui compose le tableau. « L’astuce quand on dessine un sujet avec beaucoup de détails est de savoir se détacher régulièrement de son dessin en faisant des mini pauses. Il est nécessaire que notre œil se déshabitue de notre dessin pour mieux percevoir les erreurs éventuelles que l’on pourrait commettre sur notre esquisse. »

Étape 3 : La douce pose des premières teintes

Le propre de l’aquarelle est d’apposer les teintes les plus claires puis de contraster nos couleurs au fur et à mesure. Si nous colorons trop vivement l’ensemble de notre aquarelle dès le démarrage alors il sera « quasi » impossible de l’éclaircir. Cela impactera la transparence de l’aquarelle.

En aquarellant avec des couleurs relativement claires, on va créer une tonalité d’ensemble et surtout on préserve les zones claires garantes de la luminosité finale. « Pour obtenir des couleurs claires, l’eau joue un rôle essentiel. On diluera donc chaque couleur avec beaucoup d’eau. Cela permet aussi de corriger une éventuelle erreur en délayant voire en absorbant la couleur en cause ».

On pourra travailler chaque zone en les humidifiant puis en venant perdre une à deux couleurs qui pourront se mélanger et créer des effets. C’est notamment la technique employée pour les arbres dans l’aquarelle de Marrakech.

Étape 4 : Le développement des détails et des textures

Après avoir posé les lavis de base et établi les zones d’ombre et de lumière, il est temps de se concentrer sur les détails et les textures pour donner vie à notre aquarelle.

« Pour donner du relief à notre aquarelle, on va accentuer les contrastes et les ombres en utilisant des couleurs plus foncées et en renforçant les zones d’ombre. Cette étape permet de créer une impression de volume et de tridimensionnalité dans notre composition ».

Il est conseillé de commencer par les sujets qui sont à l’arrière-plan pour finir par le premier plan qui sera toujours plus contrasté et détaillé.

On prêtera attention aux éléments clés de notre composition, tels que les textures des objets, les motifs et les reflets. « Lorsque je viens de peindre un motif avec une couleur, je répète cette couleur sur un ou plusieurs motifs par des petites touches ? Cela contribue à créer une certaine harmonie de notre tableau… ».

Nous veillerons à ne pas trop surcharger notre aquarelle de détails inutiles, mais on se concentrera sur les éléments qui apportent de la valeur à notre composition et qui guident le regard du spectateur.

Étape 5 : Finitions et évaluations globales

La dernière étape du processus de création d’une aquarelle consiste à apporter les finitions et les retouches finales pour parfaire notre composition. Cette étape est essentielle pour peaufiner notre aquarelle et garantir sa cohérence et son harmonie.

On contrôlera l’équilibre des couleurs et des contrastes : « Je prends du recul afin d’observer l’aquarelle dans son ensemble. Je vérifie que les couleurs sont bien équilibrées et que les contrastes entre les zones claires et foncées sont suffisamment marqués pour créer de la profondeur et du volume. Si nécessaire, j’ajuste les couleurs ou les contrastes en ajoutant des couches supplémentaires de peinture (lavis ou glacis) ».

Enfin, on gommera les coups de crayons de notre esquisse puis on apposera notre signature qui permet de mettre un point final à notre travail.

À vos crayons et à vos pinceaux…

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La maîtrise du dessin : la base pour créer des aquarelles convaincantes

Jean-Pascal Duboil — Mon, 13 Mar 2023 12:21:11 +0000

Le secret de la réussite d’une aquarelle réaliste se situe bien souvent aux prémices de sa construction, dès les premiers coups de crayon.

Nous verrons dans cet article pourquoi de la maîtrise du dessin à l’aquarelle, les deux sont essentiels !

Pilier avec Delacroix de la peinture française du 19^e siècle, Jean-Auguste Dominique Ingres affirmait haut et fort : « Le dessin est la probité de l’art. Rien ne peut être bien fait que dans la mesure où il est représenté avec exactitude ».

Le ton est donné ! Suivant l’orientation que l’on souhaite donner à notre œuvre, le dessin et ses bases demeurent essentiels voire incontournables. C’est particulièrement vrai lorsque l’on décide de composer une aquarelle.

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Pourquoi l’aquarelle mérite-t-elle un soin particulier du dessin ?

L’aquarelle est l’une des techniques artistiques les plus difficiles car elle ne pardonne pas les erreurs. Alors si le démarrage ne part pas sur les bases d’un dessin bien équilibré et bien construit, il sera très compliqué de rectifier au moment de la mise en couleurs.

« L’une des compétences les plus importantes dans le dessin est la perspective. La perspective est la représentation de la profondeur et de l’espace sur une surface plane. Cela signifie qu’il faut savoir comment dessiner des objets dans une position à deux ou trois dimensions. C’est grâce à ces règles de la perspective que l’on va réussir à créer une illusion de profondeur. Par exemple, si vous dessinez un paysage urbain, la perspective est essentielle pour rendre les bâtiments crédibles et réalistes », explique Jean-Pascal.

La maîtrise du dessin va donner de l’assurance à l’artiste qui osera davantage composer des sujets de plus en plus complexes telles que des monuments d’architecture ou encore des paysages riches en détails.

Exercer son coup de crayon pour tendre vers le réalisme

En s’appropriant les bases du dessin, nous pouvons tendre vers toujours lus de réalisme. Le dessin est un art à part entière qui peut se suffire à lui-même.

Pour s’en convaincre, on peut prendre un sujet aussi simple qu’une poignée de cerises et tenter d’en offrir une reproduction réaliste et convaincante.

« Pour dessiner ces trois cerises, j’ai souhaité mettre l’accent sur la profondeur de champ. La première étape, après avoir dessiné le contour des cerises, fut de créer un effet de flou. Celui-ci a été possible grâce à l’estompe des traits afin de les rendre davantage suggestibles que visibles. La seconde étape a consisté à détailler au maximum la cerise du premier plan. Des coups de crayons plus fins ainsi que des contrastes plus élevés ont été nécessaires pour tenter d’obtenir ce rendu ! », conclut Jean-Pascal.

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